L’art japonais est réputé pour sa beauté et son élégance dans le monde entier. Si vous souhaitez en apprendre davantage à son sujet, cet article vous y aidera.
Qui n’a pas vu la magnifique vague du grand Hokusai ou les ravissantes beautés d’Utamaro ? Sans parler des différents rendus du Mont Fuji. Il est indéniable que l’art japonais est connu dans le monde entier.
1. L’importance de la nature dans l’art Japonais
La nature est l’un des sujets les plus précieux de l’art japonais. On la retrouve dépeinte dans sa fureur inexorable dans la vague d’Hokusai, tandis que sa dimension plus harmonieuse est élevée dans les peintures de paysages.
En raison du shintoïsme, une religion polythéiste et animiste répandue au Japon avant l’introduction du bouddhisme (en provenance de Chine au VIe siècle), la nature joue un rôle prépondérant dans la culture et l’art japonais. Tout ce qui se trouve dans la nature, selon le shintoïsme, est une manifestation d’un dieu connu sous le nom de kami.
Par conséquent, les peintures représentant des paysages ou des objets naturels sont une véritable représentation du monde sacré, plutôt qu’un simple élément physique du monde terrestre.
2. Le Yamato-e est la plus ancienne forme d’art Japonais
Bien qu’il ait été fortement influencé par l’héritage pictural chinois de la dynastie Tang, ce style de peinture est considéré comme le style japonais classique. Le terme « peinture japonaise » était utilisé pour distinguer l’art japonais de celui des homologues chinois de l’époque.
En remplaçant les paysages chinois traditionnels par des représentations de la flore et de la faune indigènes, le style yamato-e a fini par se libérer de l’influence artistique chinoise, atteignant son apogée à la fin de la période Heian (de 794 à 1185).
La beauté de la nature, telle qu’elle est représentée par les quatre saisons ou par la description de sites remarquables, ou encore les scènes narratives, avec ou sans sous-titres, sont les thèmes privilégiés des peintures yamato-e. L’attention portée aux détails de choses et de lieux spécifiques est souvent évidente dans ces peintures, tandis que le reste est voilé par les nuages.
3. Peintures à l’encre Sumi-e
Le sumi-e est une technique japonaise de peinture à l’encre et à l’eau caractérisée par la monochromie de ses traits conventionnels. Cette pratique est née en Chine sous la dynastie Tang, mais ce n’est que vers 1300 que des moines bouddhistes zen l’ont introduite au Japon.
C’est durant l’ère Muromachi, de 1338 à 1573, que ce style de peinture a atteint son apogée. Des pinceaux façonnés à partir de poils de différents animaux (mouton, loup, cheval, bœuf, lapin, etc.) ont été utilisés pour créer cette forme de peinture, chacun permettant de créer un certain type de ligne ou d’impact de couleur.
Les saisons sont une fois de plus les thèmes privilégiés de cette forme spécifique d’art japonais, qui sont représentées par diverses plantes : orchidées pour le printemps, ume pour l’été, chrysanthèmes pour l’automne et bambou pour l’hiver.
4. L’art de l’estampe : Ukiyo-e
Les gravures sur bois étaient créées en découpant des blocs de bois qui étaient ensuite peints et utilisés pour imprimer de nombreuses copies du même motif sur papier, faisant de l’ukiyo-e l’une des formes d’art les plus reconnaissables du patrimoine japonais.
Les gravures sur bois sont les objets les plus courants de l’ukiyo-e, bien qu’il existe également des exemples de peintures qui correspondent aux qualités primaires du style. L’expression « monde flottant » fait référence au style de vie hédoniste des nouvelles métropoles riches du XVIIe siècle.
Les belles courtisanes, les actrices de théâtre, les lutteurs de sumo et les paysages urbains font partie des sujets favoris des ukiyo. S’y ajoutent des représentations naturelles plus tardives, comme celles que l’on peut voir dans les œuvres de Hokusai (par exemple, Thirty-six Views of Mount Fuji) et de Hiroshige (en photo).
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