Découverte du génie Artistique d’Utagawa Hiroshige

1. Hiroshige Utagawa (1797-1858)

On ne saurait trop insister sur le fait que, comme dans de nombreuses civilisations antérieures, y compris la nôtre, le nom de la personne, autre mot classique qui, dans la Grèce antique, désignait le masque porté par l’acteur, a évolué en fonction des circonstances changeantes de la vie et de l’être humain qui s’est associé à ce nom. Évidemment, dans le cas des artistes qui sont tenus de signer leurs œuvres, cela provoque une consternation beaucoup plus grande chez nous, les « modernes ».

Hiroshige (広重) est né à Edo (Tokyo), qui est aujourd’hui la capitale du Japon, en 1797, la neuvième année de la période Kwansei, sous le nom de And Tokutar, d’une famille de samouraïs. Plusieurs faits indiquent que son père Gen’emon était un officier de hikeshi-doshin (police du feu) et le fils de Tokuyemon Tanaka, un maître de kyudo, mais qu’il a ensuite été adopté par la famille And. Plus tard, il a été connu sous les pseudonymes de Juemon et Tokubee.

Hiroshige est orphelin à l’âge de 12 ans et est admis deux ans plus tard dans l' »atelier » du maître Toyohir de l’école Utagawa, peut-être en renfort car il espérait apprendre du maître Toyokuni. Mais sa croissance est si rapide que l’année suivante, à la neuvième ère Bunkwa (1812), Toyohir émet un document l’admettant à l’école Utagawa et l’autorisant à utiliser le nom Utagawa Hiroshige, avec le même idéogramme hiro que Toyohir.

L’apprentissage de Hiroshige s’achève ici, avec la mort de son maître, mais son début de carrière stagne quelque peu, l’art ne suffisant pas à le faire vivre, lui et sa famille, il reprend les fonctions de son père chez les pompiers. Il ne démissionne qu’en 1823, d’après ce que nous savons.

Il avait pris l’habitude de se faire appeler Ichiyusai, pseudonyme qu’il avait adopté après la mort de Toyohir à Ichiryusai, et qu’il avait fini par abréger en Ryusai.

Dans les publications d’aujourd’hui, il est presque communément appelé Hiroshige, nom qu’il prit définitivement et qui est parfois abrégé en Hir, mais aussi And Hiroshige ou Utagawa Hiroshige.

Vers 1818, il se fait connaître par une série d’estampes représentant des bijin (beauté féminine) à la manière de son maître Toyohiro, mais aussi influencé par Kaisai Eisen (1790-1848).

Il est rarement revenu à ce type de création par la suite, mais il ne l’a jamais complètement abandonné. Cette pièce, nommée Bijin in Kasumigaseki, a été achevée en 1849.

Nous n’avons pas beaucoup d’informations sur la vie de Hiroshige. Nous savons avec certitude que son premier voyage à Kyot en 1832, pour représenter en direct le rituel de cour du cheval (cadeau remis annuellement par le shogun au tennô le dernier jour de la huitième lune – hassaku), l’a fortement marqué. C’était son premier voyage sur le Tokaidô, ou du moins la première fois qu’il recueillait des croquis qui allaient devenir son album Tokaidô gojusan-tsugi. Depuis lors, il a passé la majeure partie de sa vie à voyager et à réparer avec son pinceau tout ce qui remuait son âme.

Il disparaît à Edo pendant l’épidémie de choléra de 1858, laissant derrière lui plus de 8000 œuvres, dont environ 500 tirages en couleur qui ont été publiés par divers éditeurs, avec une qualité qui s’est détériorée au fil du temps en raison de l’usure des matrices et des manipulations pour remplacer les tampons de l’éditeur ou du censeur, la date, etc.

Il s’est tourné vers la religion et est devenu moine peu avant sa mort, et la gravure commémorative posthume de Kunisada le représente dans cette tenue, tenant un chapelet. Hiroshige avait écrit ce poème, qui était très probablement son adieu à la vie :

Je quitte la ville de l’Est.

et pour voir de nouvelles régions sans utiliser de pinceau

je parcours la longue route vers l’extrême Ouest.

Sa tombe, qui porte l’inscription Ryusai Hiroshige no haka, est placée dans l’enceinte du sanctuaire familial, le temple Tokaguji (tombeau). Sur la gauche, on peut lire Yakeyo koreo (debout) Tatsu, suivi de Shimizu Seifu sho en lettres plus petites (gravées). La fille de Hiroshige, Tatsu et Yaye, était peintre.

La tombe ayant été gravement détruite par le tremblement de terre de Kanto (1923) et les incendies qui ont suivi, nous ne pouvons la voir que dans les sources historiques.

Hiroshige s’est remarié après que sa première femme et son fils Nakajir soient morts jeunes. Il a eu ou adopté deux filles. La première, Tatsu, épousa Shigenobu, qui fut probablement adopté par la famille et devint Hiroshige II, un artiste renommé. Tatsu divorça plus tard et se remaria avec Shigemasa, bien connu sous le nom de Hiroshige III en peinture.

Hiroshige II, qui avait été reconnu comme le successeur de Hiroshige I par Hiroshige I, construisit en 1882 une stèle commémorative dans le sanctuaire shinto d’Akihajinsha, près de la rivière Sumida, que Hiroshige avait représenté dans l’une de ses estampes.

On y voit l’artiste en train de créer un tanzaku (poème), probablement un tanzaku d’adieu, qui est raconté sur la stèle.

2. L’opéra

On dit que Hiroshige a été inspiré à faire carrière dans l’art pour deux raisons : la première était le désir d’imiter Hokusai, dont il avait étudié les œuvres.

Cela est plausible : bien que Hokusai ne soit devenu célèbre qu’aux alentours de 1830, époque à laquelle Hiroshige s’était déjà consacré à la peinture pendant deux décennies et était déjà connu, Hiroshige a peut-être rencontré son œuvre plus tôt. La seconde motivation, le désir d’un meilleur mode de vie, est moins convaincante.

En effet, malgré les faibles revenus qu’il tirait de la création, Hiroshige a été obligé d’exercer un second emploi chez les pompiers pendant au moins une décennie afin de joindre les deux bouts. Et il ne semble pas concevable qu’un artiste destiné aux plus grands sommets souhaite travailler uniquement pour le gain financier.

Quoi qu’il en soit, il confie temporairement son travail officiel à son neveu, se réservant le droit de le laisser plus tard à son fils, et se consacre à plein temps à la peinture après une décennie consacrée à l’étude d’importants paysagistes japonais tels que Ooka Umpô et les artistes de l’école Shijô.

Même après sa mort, la renommée et l’impact de Hiroshige sur la société occidentale se sont accrus de façon exponentielle à partir de 1830. Il est l’un des peintres les plus étudiés dans le cadre du japonisme, un phénomène culturel qui s’est épanoui dans la seconde partie des années 800.

Vincent van Gogh a modifié et reproposé l’un de ses tableaux à l’automne 1887, sous le titre Le tailleur en fleurs. Durant la phase dite « parisienne » de sa brève existence, Van Gogh, qui était marchand d’art et consultant en art de profession, collectionnait les estampes japonaises et organisait de nombreuses expositions avec son frère Théo, qui était marchand d’art et consultant en art de profession.

Une estampe japonaise ou influencée par le Japon est visible à l’arrière-plan de l’œuvre « portrait d’Agostina Segatori », qui était la propriétaire du café où se tenait l’une de ces expositions.

Deux œuvres de deux peintres renommés peuvent être directement comparées ici. La gravure originale a été réalisée par Uoya Eikichi entre 1856 et 1859, et elle a été réimprimée plusieurs fois avec des différences mineures dans les tons de couleur et les éléments de fond.

Le titre de l’œuvre est inscrit dans l’encadré bleu en haut, signé Hiroshige ga : Ohashi Atake no yutachi (pluie soudaine sur le grand pont d’Atake). Elle est tirée de la série Meisho Edo Hyakkei de Hiroshige, qui est l’une de ses œuvres les plus connues (Les 100 vues célèbres d’Edo).

L’interprétation de Van Gogh s’appelle Pont sous la pluie et a été peinte au cours de l’été 1887.

Elle diffère évidemment de l’original, tant au niveau des ajustements rendus nécessaires par l’inspiration et la personnalité de l’artiste, qu’au niveau de la technique de réalisation différente : Van Gogh utilisait des peintures à l’huile pour créer ses tableaux sur toile.

En raison de la présence des bateaux en arrière-plan, il est possible d’approcher la source dont van Gogh s’est inspiré : l’une des dernières éditions d’estampes d’Hiroshige.

3. Une comparaison apparemment absurde

Il ne fait aucun doute que deux personnes se distinguent des autres dans le monde de l’uikiyo-e : Hiroshige et Hokusai, auxquels Utamaro aurait pu être rattaché si sa carrière créative n’avait pas été écourtée par la mort.

La supériorité de l’un sur l’autre est fréquemment débattue, bien qu’aucune conclusion commune ne puisse jamais être atteinte dans ce type de comparaison.

C’est une analogie ridicule. Néanmoins, elle est essentielle.

S’il est vrai que la production prolifique d’Hokusai peut amener certains à considérer sa polyvalence comme supérieure, d’autres peuvent penser que Hiroshige a eu raison de concentrer son énergie plutôt que de la disperser dans trop de domaines, comme l’a fait Hokusai avec sa grande production dans les genres shunga et manga.

Le genre du paysage et de la nature, auquel tous deux ont consacré une grande partie de leur œuvre, et qui est finalement ce qui leur a permis d’atteindre la célébrité, et au grand public de connaître le charme des lieux et des gens du Japon, est celui où l’on peut penser à une comparaison directe entre les deux maîtres, dans un but d’enrichissement culturel plutôt que pour émettre des jugements ou des arrêts.

Ces séries d’estampes à thème dans lesquelles ils ont tous deux souhaité s’essayer révèlent la différence d’approche entre les deux maîtres.

La première œuvre est issue de la série Les trente-six stations du Tokaidô, estampe 36. (la route côtière qui reliait la capitale administrative Edo à la capitale impériale Kyoto). Elle a été créée par Katsushika Hokusai et publiée vers 1830.

Un groupe diversifié de passagers a été appréhendé à la gare d’Odogaya.

Il y a ceux qui s’arrêtent pour admirer le mont Fuji – omniprésent à l’arrière-plan d’innombrables chefs-d’œuvre, même ceux qui ne lui sont pas expressément consacrés -, il y a ceux qui ne s’arrêtent que pour essuyer leur sueur ou faire une pause, et il y a ceux qui, inconscients de leur environnement, semblent vouloir simplement roupiller sur la selle de leur cheval.

C’est un paysage animé par la présence humaine, un élément indispensable dans la plupart des peintures d’Hokusai qui célèbrent le Japon à travers les yeux des Japonais.

La station 27 (estampe 28) de la série Les 69 stations du Kisokaidô, le chemin alternatif à travers les montagnes, réalisée par Hiroshige entre 1834 et 1842, présente un concept très similaire.

Nous retrouvons ici le même sujet d’un voyage sur une route d’une beauté indescriptible, mais la présence humaine, bien qu’importante et répandue comme l’indique le pont massif qui a modifié ce que la nature a créé, est plus discrète.

L’élément humain, qui est souvent au premier plan dans les œuvres d’Hokusai, est ici relégué à l’arrière-plan, appuyant le rôle du chœur dans les représentations grecques.

Il est clair qu’il existe des tendances, des décisions créatives qui favorisent une technique plutôt qu’une autre, mais elles deviennent rarement des maniérismes, et il existe plusieurs exceptions heureuses.

Un autre tableau d’Hokusai, Fleur de prunier en automne, en est un exemple : l’aspect humain a complètement disparu et l’artiste se contente d’observer, fasciné, ce que la nature lui offre.

Une autre caractéristique d’Hokusai est visible ici : son appréciation des détails, sa capacité à séparer certaines choses spécifiques du fond plus large, nous permettant de voir qu’elles donnent un sens à tout le reste.

Hiroshige emploie les mêmes principes de composition en déplaçant le sujet principal à l’arrière-plan et en l’incorporant dans le centre d’intérêt apparemment principal de la cascade au premier plan.

Comme chacun peut le constater, il n’a rien fait pour en diminuer la visibilité ou l’importance.

Hiroshige démontre que ses choix créatifs, bien que souvent divergents de ceux d’Hokusai, ne s’excluent pas mutuellement.

Tous deux nous enseignent que les thèmes traditionnels et répétitifs, tels que la saison de l’automne symbolisée par la lune et le prunier, ne se répètent jamais dans les mains et les manteaux des grands peintres.

Le duel passionnant entre les deux génies nous enrichit culturellement et nous laisse souvent bouche bée, émerveillés.