films japonais banniere

Films Japonais : TOP 40

Il est impossible de limiter le vaste domaine du cinéma japonais. Par où commencer ? Voici 40 films japonais, représentant un large éventail de genres, de cinéastes et de périodes historiques. Une vaste collection pour vous aider à commencer ou à poursuivre votre exploration des films japonais modernes, des chefs-d’œuvre de l’après-guerre, des courts métrages féministes et même des films muets. Nous savons que vous avez déjà regardé Totoro, alors voici une liste de petits plaisirs supplémentaires !

 1. Glasses / めがね – Naoko Ogigami (2001)

Glasses
Glasses

Lunettes ou Mégane est un film au rythme délibérément lent, conçu pour endormir le public. Lors de la projection à San Francisco, la réalisatrice Naoko Ogigami a même averti le public de ce sujet et de cet effet secondaire. Taeko, la protagoniste du film, s’installe sur une île pour s’éloigner de la métropole. Elle séjourne à l’auberge Hamada, où elle rencontre des individus très divers. Taeko est d’abord déconcertée par leurs particularités. Megane nous emmène en voyage avec Taeko, lui laissant l’espace et le temps de s’adapter à son nouvel environnement tout en lui faisant découvrir un mode de vie différent qui met l’accent sur la simplicité et l’appréciation.

2. Sonatine / ソナチネ – Takeshi Kitano (1993)

Sonatine
Sonatine

Takeshi Kitano est un acteur, scénariste, monteur et réalisateur bien connu qui a travaillé sur un certain nombre de films de gangsters à succès. Sonatine n’a pas été bien considéré au Japon, mais a été accueilli favorablement ailleurs. Il a été considéré comme une nouvelle approche du genre gangster. « C’est un film principalement calme et introspectif, entrecoupé de moments de grande violence », selon un article de Rob Mackie paru en 1998 dans The Guardian. Dans cette histoire, Takeshi joue le rôle d’un gangster yakuza fatigué. Son employeur l’envoie à Okinawa, où il craint d’être attaqué. Bien qu’il y ait des scènes de fusillade et de carnage tout au long du film, il y a aussi des accalmies où les gars se prélassent sur la plage et jouent à des jeux à suspense.

3. The Great Passage / 舟を編む – Yuya Ishii (2013)

The Great Passage
The Great Passage

Une douce histoire d’amour qui tente de définir l’amour au sens littéral du terme. Ce drame/comédie est centré sur un jeune linguiste qui est obsédé par les mots. Majime est chargé de développer un « dictionnaire vivant » après avoir été recruté par un groupe de collègues rédacteurs. Ce projet n’est pas une mince affaire, et il a déjà nécessité des années d’efforts. En plus de son travail, Majime a développé des sentiments pour la petite-fille de son propriétaire. L’aspect extérieur du film met en valeur les excentricités de Majime et son côté intello attachant. Cependant, un examen plus approfondi révèle comment les mots relient les individus et les nombreuses méthodes que nous devons apprendre pour nous communiquer à ceux qui nous sont les plus chers.

4. Shall We Dance ? / Shall We ダンス? – Masayuki Suo (1996)

Shall we dance
Shall we dance

Shall We Dance ? est une comédie romantique sur Shohei, un salarié prospère qui, malgré sa bonne fortune, est tombé dans un profond désespoir. En rentrant chez lui un soir, Shohei remarque une dame enfermée sur le rebord d’une fenêtre. Son désir de se rapprocher d’elle est tel qu’il choisit de prendre des cours de danse dans son studio de danse de salon. Shohei se débat avec la honte de prendre des cours de danse privés, mais apprend un nouveau respect pour l’amour de soi et le mouvement, même s’il vient de l’Ouest. Shall We Dance ? est un film amusant et doux qui a attiré beaucoup d’attention en dehors du Japon lors de sa sortie en 1996.

5. Kamome Diner / かもめ食堂 – Naoko Ogigami (2006)

Kamome Diner
Kamome Diner

Kamome Diner est un film qui se déroule à Helsinki, en Finlande, et qui raconte l’histoire d’une Japonaise nommée Midori qui a récemment ouvert un petit restaurant japonais. Midori est autonome et motivée à l’idée d’apporter des onigiri et d’autres mets japonais à cette nouvelle maison dans une ville étrange, mais son nouveau commerce est morose et ses clients sont peu nombreux. Megane, comme le film précédent de la réalisatrice Naoko Ogigami, a un protagoniste qui rencontre d’autres personnes étranges sur son chemin. Il est intéressant de noter que, malgré leurs origines relativement obscures, ces personnes se lient d’amitié au Kamome Diner.

6. Woman in the Dunes / 砂の女 – Hiroshi Teshigahara (1964)

Woman in the Dunes
Woman in the Dunes

La femme dans les dunes, un film japonais de la nouvelle vague de 1964, a reçu le prix spécial du jury au Festival de Cannes. L’histoire tourne autour de Junpei, qui est enlevé par des paysans locaux qui vivent près de la mer dans les dunes de sable de Tottori. Junpei échoue finalement dans une dune de sable avec une jeune veuve dont le devoir est de creuser le sable, non seulement pour gagner sa vie mais aussi pour sauver la sienne. La cabane est sur le point d’être engloutie par le sable. Les deux hommes perdent le sens du temps et de l’espace dans leur capture, avec rien d’autre qu’une corde qui réapparaît pour les libérer. Woman in the Dunes est un film brutal et sensuel qui plonge dans les profondeurs de l’existence humaine.

7. A Whisker Away / 泣きたい私は猫をかぶる – Junichi Sato and Tomotaka Shibayama (2020)

A Whisker Away
A Whisker Away

Whisker Away devait initialement sortir en salle début juin 2020, mais en raison de l’épidémie de COVID-19, il a été vendu à Netflix et sorti à la mi-juin pour une première « à la maison ». Cette vidéo d’animation dépeint le récit amoureux fantaisiste de Miyo, dans lequel elle se languit de l’attention d’Hinode. Miyo commence à s’attacher à Hinode sous la forme d’un chat, en lequel elle peut se transformer à l’aide d’un masque magique de Nô, car elle est incapable de se lier à lui en personne. Coincée entre ses vies d’humaine et de chat, la magie qui lui permet de passer du temps avec son amoureux menace de ruiner irrémédiablement son existence. Ce clip dépeint l’esprit de la jeunesse japonaise et des festivités estivales.

8. Floating Clouds / 浮雲 – Mikio Naruse (1955)

Floating Clouds
Floating Clouds

Mikio Naruse est connu pour ses films shomin-geki, qui sont des films dépeignant la vie des gens ordinaires. Il est également reconnu pour avoir inclus des héroïnes féminines fortes et indépendantes dans ses films, la majorité d’entre elles prenant la tête et portant l’intrigue. Le film « Floating Clouds » est basé sur un roman de Fumiko Hayashi qui se déroule après la Seconde Guerre mondiale. Yukiko, une femme récemment rentrée au Japon après avoir quitté l’Indochine française, est la protagoniste du roman. Lorsqu’elle revient à Tokyo après la guerre, le public la regarde contempler la dévastation. Elle agit comme une flâneuse, se promenant ou flottant dans la ville et se sentant seule, en partie à cause de l’absence de son partenaire, Kengo. Dans le film, nous avons des flashbacks de leur relation amoureuse des années auparavant. On se demande, grâce à Yukiko, s’ils seront à nouveau réunis dans le bonheur.

9. The Chef of South Polar / 南極料理人 – Shuichi Okita (2009)

Malgré le froid glacial du pôle Sud, l’approche de The Chef of South Polar vous réchauffe le cœur. Un voyage de recherche en Antarctique a été lancé par huit gars. Il est à la fois satisfaisant et aliénant de participer à cette tâche. L’emploi de Jun Nishimura consiste à cuisiner quotidiennement pour tout le monde. Il prend plaisir à préparer diverses spécialités pour l’entreprise et se réjouit de l’accueil qu’ils réservent à ses plats. En raison des limites et des contraintes imposées par leur travail dans des conditions inférieures à zéro, l’heure du repas devient le seul moment où ils peuvent se détendre. Cette adaptation du cinéaste primé Shuichi Okita est basée sur les essais autobiographiques de Jun Nishimura et dépeint un récit de camaraderie, de solitude et de cuisine délectable.

10. Muddy River / 泥の河 – Kohei Oguri (1981)

Muddy River
Muddy River

Dans une Osaka d’après-guerre, au Japon, deux jeunes garçons deviennent amis dans ce classique en noir et blanc. Les jeunes se mêlent et deviennent amis sans préjugés, mais ils découvrent bientôt les origines de leurs familles et sont exposés à la dure vérité de la discrimination sociale. Kohei Oguri, le réalisateur de Muddy River, n’a réalisé que six films durant toute sa carrière. Cette histoire délicate semble être tenue par la précision et la retenue. Des plans simples transmettent le sentiment sous-jacent de chagrin et de lutte que beaucoup de gens ressentaient à l’époque.

11. Mori, The Artist’s Habitat / モリのいる場所 – Shuichi Okita (2018)

Mori The Artists Habitat
Mori The Artists Habitat

Mori, The Artist’s Habitat est basé sur une journée dans la vie du peintre légendaire non fictif Morikazu Kumagai et met en lumière la solitude et la créativité de l’artiste. Kumagai a passé les dernières décennies de sa vie dans son jardin. Le clip montre sa fascination pour les petites choses apparemment infinies qu’il découvre dans son jardin. Kumagai est confronté au problème de la sauvegarde de l’environnement de sa maison face à des promoteurs immobiliers qui veulent construire des appartements qui changeraient tout son univers.

12. Sandakan No.8 / サンダカン八番娼館 望郷 – Kei Kumai (1974)

Sandakan No 8
Sandakan No 8

Sandakan No.8, qui a été nominé pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, raconte l’histoire de jeunes filles et de femmes japonaises qui ont été vendues comme esclaves sexuelles au début du vingtième siècle (karayuki san). Le film suit une journaliste appelée Keiko qui rencontre une femme plus âgée (Osaki) dont elle pense qu’elle a été vendue pour servir de maison close à l’étranger, comme dans le roman sorti en 1972. Osaki finit par raconter à Keiko son histoire, qui est racontée en flashbacks dans les années 1920. Sandakan No.8 se concentre sur un sujet rarement abordé et, même aujourd’hui, fréquemment balayé du revers de la main.

13. Sweet Bean / あん – Naomi Kawase (2015)

Sweet Bean
Sweet Bean

Sweet Bean, avec Kirin Kiki et Kyara Uchida dans le rôle de la grand-mère et de la petite-fille dans la vraie vie, est un drame touchant et émotionnel qui risque de vous faire pleurer. Tokue, une femme âgée, aborde Sentaro, un homme d’âge moyen qui gère un commerce de dorayaki, au début du film. Tokue avoue que travailler dans un commerce de dorayaki est depuis longtemps un rêve pour elle. Sentaro rejette d’abord sa candidature en raison de son âge, mais change d’avis après avoir goûté sa pâte de haricots, qui est supérieure à la sienne. La vidéo fait appel à vos émotions, incitant le spectateur à se délecter de la magie d’un seul instant et à valoriser ces moments par-dessus tout, malgré les pressions de la société.

14. Tokyo Chorus / 東京の合唱 – Yasujiro Ozu (1931)

Tokyo Chorus
Tokyo Chorus

Tokyo Chorus est un film muet datant des débuts du cinéma parlant. Bien qu’il se déroule dans le contexte actuel de la Grande Dépression, Tokyo Chorus d’Ozu est connu comme une comédie muette qui s’engage dans la politique de classe et se bat contre les tyrans du capitalisme. Le récit commence avec Okajima, un jeune écolier qui a des problèmes pour s’être mal comporté. La véritable raison pour laquelle le petit enfant ne veut pas enlever sa veste est qu’il ne porte pas de chemise en dessous. Le scénario passe ensuite à Okajima, adulte, travaillant mais en mesure de défendre un collègue moins fortuné, et à son enfant qui demande un vélo. Une légende dans le film indique : « Tokyo, ville des chômeurs ». Tokyo Chorus, bien qu’étant un commentaire, honore un caractère noble et moral et danse à travers les difficultés, survivant à peine.

15. Departures / おくりびと – Yojiro Takita (2008)

Departures
Departures

La nature de son sujet, la mortalité et les individus qui y sont confrontés, a d’abord stigmatisé le film Departures. Au point que les distributeurs japonais ont d’abord hésité à le distribuer. Après avoir perdu son emploi à Tokyo, un violoncelliste du nom de Daigo retourne à Yamagata, sa ville d’enfance. Daigo cherche une carrière d' »assistant aux départs », qu’il s’attend à voir liée aux voyages, mais il découvre qu’il va assister un entrepreneur de pompes funèbres. Il cache la nature de son emploi à sa femme, car c’est interdit au Japon. Departures tente de toucher son public avec une touche légère sur un sujet difficile, avec une synthèse profonde des émotions et de la peur humaine face à la mort.

16. Streets of Shame / 赤線地帯 – Kenji Mizoguchi (1956)

Streets of Shame
Streets of Shame

Streets of Shame, le film le plus récent de Mizoguchi, présente divers témoignages de femmes qui travaillent dans une maison close. Chaque femme a une histoire unique à raconter, ainsi que des opinions et des objectifs différents à poursuivre. Ces récits ont pour toile de fond le vote de la Diète sur l’interdiction ou non de la prostitution. Les vies que le spectateur voit se développer dans le film sont vues à travers le prisme d’un Japon d’après-guerre fortement touché par les vagues de pauvreté. Streets of Shame, comme les œuvres précédentes de Mizoguchi, attire l’attention sur l’assujettissement des femmes au Japon en présentant la complexité de leurs histoires.

17. A Piece of Our Life / カケラ – Momoko Ando (2010)

A Piece of Our Life
A Piece of Our Life

Dans le premier film de Momoko Ando, Kakera ou A Piece of Our Life, une jeune étudiante (Haru) est poursuivie par une prothetiste bisexuelle (Riko). Les deux femmes entament une relation, mais non sans avoir discuté du pourquoi et du comment tout au long du film. Il s’agit d’un récit qui s’intéresse à la signification de l’amour. La relation de Haru avec son petit ami est sans amour, mais elle trouve de la proximité avec Riko. « Ce n’est pas tant que j’aime les femmes, mais plutôt que je t’aime, Haru. » Riko dit. Kakera est un drame sur le passage à l’âge adulte et la découverte de soi qui se distingue par son sujet et sa créativité, avec deux protagonistes qui commencent comme des opposés polaires. Haru est flottante et hésitante, presque comme si elle était dans un rêve. Riko : Je travaille dans un domaine où je fais en sorte que les corps des gens se sentent à nouveau entiers.

18. Black Cat / 藪の中の黒猫 – Kaneto Shindo (1968)

Black Cat
Black Cat

Chat Noir est basé sur un conte populaire japonais qui raconte l’histoire d’un fantôme de l’époque féodale. Ce film d’horreur 35 mm en noir et blanc raconte l’histoire de deux femmes qui cherchent à se venger des samouraïs qui les ont violées. La musique étrange et les humeurs changeantes font sursauter et troublent le spectateur. Le décor est planté pour des effets à la fois réalistes et campagnards. Le réalisateur Shindo s’est lancé dans un film unique qui se distingue par rapport à d’autres qu’il a écrits ou réalisés, comme L’île nue, en combinant satire sociétale et mythologie mystique et spirituelle (1960).

19. 21st Century Girl / 21世紀の女の子 – 14 Female Directors under 30 (2019)

21st Century Girl
21st Century Girl

21st Century Girl, une initiative récente menée par 14 réalisatrices de moins de 30 ans, vise à saisir ce que signifie être une femme au Japon à travers une collection de courts métrages créés par des femmes pour des femmes. Le thème central est le genre, et les complexités de ce que cela implique dans le contexte de la société japonaise. Chaque court-métrage dure moins de 8 minutes et aborde une série de thèmes qui sont rarement traités dans les films centrés sur les hommes. Projection de Yurina Kaneko, par exemple, se concentre sur la fragilité subtile de la conscience de soi, de l’image corporelle et de la critique des normes sociales de beauté. D’autres films, comme For Lonesome Blossoms de U-ki Yamoto, se concentrent sur les liens forts qui existent entre les mères et les filles.

20. Love Letter / 恋文 -Kinuyo Tanaka (1953)

Love Letter
Love Letter

Kinuyo Tanaka a été la deuxième femme à réaliser un film au Japon. (La première était Tazuko Sakane, qui avait la réputation de s’habiller avec des vêtements d’homme et dont le travail s’est malheureusement perdu dans le temps). En raison des exigences d’une culture et d’une économie contrôlées par le patriarcat, il était extrêmement difficile pour les femmes d’occuper des postes à responsabilité dans l’industrie cinématographique dans les années 1950. En revanche, le drame romantique de Tanaka, Love Letter, a été présenté en première au Festival de Cannes 1954. Love Letter se déroule dans le Japon d’après la Seconde Guerre mondiale. Reikichi, un vétéran de la marine, conserve une lettre d’amour de son ancienne petite amie, l’informant qu’elle doit être mariée à quelqu’un d’autre contre son gré. Il n’a pas réussi à la retrouver depuis qu’elle est devenue veuve de guerre. Notre protagoniste retrouve une vieille connaissance de la marine, dont la profession actuelle est de préparer des lettres de dames japonaises aux militaires étrangers qui les ont abandonnées après la guerre. Il y a quelques coups du sort, mais aucun n’est sans les forces culturelles de l’époque.

21. Paprika / パプリカ – Satoshi Kon (2006)

Paprika 1
Paprika

Paprika est un classique de l’animation japonaise qui a traversé l’océan Pacifique pour devenir célèbre aux États-Unis, où il a été largement publié. Il est basé sur le roman du même nom. Ce thriller psychologique de science-fiction est une vision tourbillonnante qui se transforme rapidement en une horreur terrifiante. Le film suit le récit du docteur Atsuko Chiba, qui entre dans les rêves de ses patients mentaux et se transforme en un alter-ego enquêteur connu sous le nom de Paprika. Le récit se développe davantage lorsque l’équipement utilisé pour pénétrer dans les rêves de ses patients est volé et utilisé à des fins bien plus sinistres. Afin d’éviter que les habitants du Japon ne perdent leur cerveau et leur identité, Paprika explore les profondeurs des rêves amusants et horribles de ses patients.

Paprika a été réalisé par le regretté Satoshi Kon, animateur et expert de tout ce qui est onirique, dans le but de brouiller les frontières entre vérité et fantaisie. Les réalisateurs comme Satoshi Kon, contrairement aux dessins animés de Disney (découvrez le parc Disney du Japon) et à d’autres types d’animation qui préparent généralement le terrain pour que les spectateurs quittent volontiers la réalité, recherchaient quelque chose de différent. L’imagination de Paprika ne connaît aucune limite, mais son aspect le plus captivant est sans doute son lien avec la réalité : un monde de rêve brisé qui peut encore être géré par celui qui contrôle les outils permettant de l’atteindre depuis le monde réel.

22. Tokyo Story / 東京物語 – Yasujiro Ozu (1953)

Tokyo Story
Tokyo Story

Les scènes de Tokyo Story sont immobiles et paisibles, mais elles sont pleines de mélancolie et de gros plans sur la corde sensible d’une famille. De nombreux réalisateurs actuels, comme Hirokazu Kore-eda, suivent un modèle similaire de drame humain complexe et lent, dont Ozu a sans doute établi le cadre. Contrairement à ses prédécesseurs ou à ses descendants, Tokyo Story adopte un ton sans jugement dans chaque image, démontrant la joie d’Ozu dans la complexité des choses simples.

L’histoire tourne autour d’un couple de personnes âgées qui vit dans le sud-ouest du Japon. Lorsque le couple s’envole pour Tokyo afin de voir ses enfants adultes, il découvre qu’ils sont trop occupés pour les voir. Leur belle-fille veuve est le seul membre de la famille qui tente de passer du temps avec eux. Au lieu de se sentir mal à cause de leurs enfants distraits, les parents semblent glisser à travers leurs émotions comme une rivière, le bruit de l’eau étant un compagnon constant tout au long du film. Plutôt que de nager à contre-courant, Tokyo Story examine la façon dont les gens vivent, laissant tout se mettre en place comme pour suggérer : « C’est comme ça ». Ce film est fréquemment considéré comme l’apogée du cinéma japonais.

23. The Mourning Forest / 殯の森 – Naomi Kawase (2007)

The Mourning Forest
The Mourning Forest

The Mourning Forest, qui a remporté le Grand Prix du Festival de Cannes en 2007, est un film extrêmement puissant sur une jeune femme nommée Machiko qui a perdu son bébé et qui se reproche silencieusement sa mort. Machiko travaille comme aide-soignante dans une maison de retraite isolée, où elle noue un lien étrange avec Shigeki, un patient de la maison de retraite qui a perdu sa femme il y a de nombreuses années. Tous deux partent pour un voyage de deux jours dans la nature sauvage après que leur voiture se soit retrouvée coincée dans un fossé.

En 1997, Naomi Kawase est devenue la première femme et le premier cinéaste japonais à assister au Festival du film de Cannes en France depuis cinquante ans. Akira Kurosawa est le réalisateur qui l’a précédée. Kawase est connue pour son style, basé sur la nostalgie et la nature.

24. The Tale of the Princess Kaguya / かぐや姫の物語 – Isao Takahata (2013)

image asset
The Tale of the Princess Kaguya

Ce dessin animé très attendu du Studio Ghibli, réalisé par Isao Takahata, est basé sur le conte populaire japonais Le conte du coupeur de bambou, qui remonte au 10e siècle. Takahata, qui est réputé pour son attention méticuleuse aux détails, a mis huit ans à produire ce film. Le Conte de la princesse Kaguya, contrairement aux dessins animés précédents, est entièrement réalisé à partir de dessins au trait. Takahata a tout esquissé à la main, évitant ainsi l’utilisation d’images de synthèse.

Sanuki, un coupeur de bambou, découvre dans la jungle un petit enfant qui tient dans la paume de sa main, et le récit commence. Il ramène l’enfant miraculeux à sa femme et tous deux assistent à son développement pour devenir une femme étonnante dont la beauté inspire Sanuki à déménager la famille à la capitale afin de vivre une vie plus riche et plus noble. La princesse a du mal à s’adapter à sa nouvelle vie et s’ennuie de sa maison dans les bois et de ceux qu’elle et ses compagnons ont laissés derrière eux. L’histoire traite du chagrin, de la perte et de la découverte de son identité. Une jeune fille aventureuse venue de la lune pour nous rendre visite sur Terre.

Jetez un coup d’œil aux œuvres des meilleures artistes féminines de manga pour découvrir d’autres superbes dessins d’anime !

25. Nobody Knows / 誰も知らない  – Hirokazu Kore-eda (2004)

Nobody Knows
Nobody Knows

Kore-eda kantoku est sans aucun doute l’un des réalisateurs japonais les plus connus aujourd’hui. Shoplifters (Mambiki no Kazoku), son film le plus récent, a remporté la Palme d’or au Festival de Cannes 2018. Kore-eda, qui est surtout connu pour son attention méticuleuse aux détails dans les drames familiaux et humains, produit depuis longtemps des longs métrages dans le style des documentaires stylisés. De même, son œuvre de 2004 Nobody Knows (Dare mo Shiranai) est basée sur une histoire vraie, bien qu’il s’agisse d’une fiction dans l’intrigue et la méthode. Le public remarquera les aspects réalistes que ce film au rythme fluide et soigné transporte de scène en scène.

En se concentrant sur les circonstances microcosmiques de la vie familiale dans une culture qui a tendance à être négligée par les médias grand public, Kore-eda révèle les défis sociétaux du Japon à une échelle bien plus grande. Kore-eda réimagine les circonstances réelles d’un cas d’abandon d’enfant dans Nobody Knows, dans lequel le frère aîné, Akira, s’occupe de ses trois frères cadets dans un appartement de Tokyo. Il y a beaucoup à admirer dans l’affection que se portent les quatre enfants et dans la façon dont ils passent le temps lorsqu’ils sont seuls ensemble. En voyant ce film actuel, il est bon d’avoir une boîte de mouchoirs à portée de main !

26. Tokyo Sonata / トウキョウソナタ – Kiyoshi Kurosawa (2008)

Tokyo Sonata
Tokyo Sonata

Un salarié japonais commence sa spirale dans le secret après avoir perdu son emploi dans une société réputée de Tokyo. Il ne parle pas de sa misère à sa famille et traîne sa culpabilité avec lui partout où il va, quittant la maison sous prétexte d’aller travailler mais se rendant en fait dans des agences surpeuplées ou même dans des refuges pour sans-abri qui servent de la nourriture. Pendant ce temps, son fils Kenji, un élève de sixième année qui doit faire face aux choix de vie de son frère aîné, qui s’est engagé dans l’armée américaine, et aux autres difficultés de la famille, choisit de prendre des leçons de piano en secret, malgré l’opposition catégorique de sa famille.

Ce film rompt avec les films d’horreur habituels de Kiyoshi Kurosawa, car il est sentimental à souhait, notamment dans sa séquence finale poignante. S’asseoir devant Tokyo Sonata, c’est comme regarder par une fenêtre les rouages de la société japonaise, où la misère de la perte d’un emploi équivaut à la perte de sa propre identité et du sens de la vie.

27. When A Woman Ascends the Stairs / 女が階段を上る時 – Mikio Naruse (1960)

When A Woman Ascends the Stairs
When A Woman Ascends the Stairs

Une description subtile de la vie de Keiko, une hôtesse de bar qui ne peut plus compter sur sa jeunesse dans les boîtes de nuit de Ginza après la Seconde Guerre mondiale. Chaque nuit, Keiko monte les marches, qui la symbolisent, elle et la diégèse du film, et qui la rapprochent d’un monde gouverné par les hommes et administré par les femmes. Keiko, qui est en proie à des problèmes financiers et familiaux, envisage de devenir la maîtresse d’un homme riche afin d’échapper à ses problèmes. Elle dédaigne cette idée et envisage plutôt de créer son propre bar.

Dans la plupart de ses films, Mikio Naruse se concentre sur le protagoniste féminin. When A Woman Ascends the Stairs est une réflexion détaillée sur les décisions que les femmes du Japon d’après la Seconde Guerre mondiale ont dû prendre pour vivre. Le mariage avec un homme est dépeint à la fois comme une source de liberté et une source d’enfermement, le summum de la modernité s’il en est. Un film japonais fantastique qui est devenu un classique moderne.

28. Branded to Kill / 殺しの烙印 – Seijun Suzuki (1967)

Branded to Kill
Branded to Kill

Branded to Kill est l’une des expériences les plus exceptionnelles de Seijun Suzuki en matière de new wave et de scènes psycho-surréalistes grotesques de meurtre et de délire. Suzuki a été licencié après la production de Branded to Kill en raison de l’intrigue bizarre et décousue du film, et il lui a été impossible de trouver du travail dans un autre studio. L’histoire d’un tueur à gages yakuza qui a une passion pour l’odeur du riz bouilli est devenue virale. Suzuki est désormais considéré comme un cinéaste culte respecté qui a défié les conventions et les contraintes.

La narration, bien que simple dans son « yakuza échoue à faire un coup et devient la cible principale », comporte plusieurs rebondissements et s’appuie sur la connaissance du spectateur du genre criminel pour exploiter ses attentes et ses souhaits. Un thriller classique en noir et blanc qui vous laissera à la fois émerveillé et perplexe.

29. The Girl Who Leapt Through Time / 時をかける少女 – Mamoru Hosoda (2006)

The Girl Who Leapt Through Time
The Girl Who Leapt Through Time

Makoto navigue dans son nouveau devoir avec le voyage dans le temps après avoir été brusquement dotée du pouvoir de contrôler le temps et avoir sauvé sa propre vie en étant heurtée par un train qui arrivait en sens inverse. Elle commence par l’utiliser pour améliorer ses journées au lycée, qui sont par ailleurs un peu désordonnées. Makoto se rend rapidement compte que ses choix ont un impact sur les autres, et elle est confrontée à une question de son amie Chiaki, qui lui demande si elles devraient sortir ensemble. Makoto remonte le temps pour défaire cette question et empêcher que leur lien si cher ne s’altère davantage. Elle prend une décision qu’elle regrettera par la suite.

Ce film d’animation émouvant sur le passage à l’âge adulte est réalisé dans le style caractéristique de Hosoda : sympathique et intime. Makoto, la protagoniste, est souvent confrontée à de petites décisions qui mènent à des décisions beaucoup plus importantes, reflétant le but de Hosoda de créer des personnes qui doivent finalement faire face à la vérité, et plus particulièrement, changer. Hosoda est également reconnu pour ses autres films d’animation réconfortants, notamment Mirai, Summer Wars et Wolf Children.

30. The Hungry Lion / 飢えたライオン – Takaomi Ogata (2017)

The Hungry Lion
The Hungry Lion

The Hungry Lion a été présenté en avant-première au Festival international du film de Tokyo en 2017 et a suscité des réactions mitigées de la part du public. Hitomi, le personnage principal du film, est une lycéenne populaire qui est soupçonnée d’être la fille d’une vidéo sexuelle avec son professeur principal. Les soupçons se transforment en véritables accusations, et même ses amis les plus proches remettent en question ses démentis catégoriques. Sa situation est exploitée au point qu’elle n’a d’autre choix que de prendre une décision désespérée. Les retombées médiatiques font l’objet de la seconde moitié du film. Le spectateur est soumis à la férocité avec laquelle la presse japonaise, les médias sociaux et autres outils d’invasion de la vie privée le bombardent. Une critique sociétale des méthodes actuelles d’obtention et de diffusion d’informations qui peuvent ou non être exactes.

Ironiquement, le final du film, en particulier, a été très contesté au lendemain de sa sortie. Il s’agit peut-être d’un témoignage du succès du film dans sa critique de la criminalisation des victimes, en particulier des jeunes filles et des femmes qui ont une histoire à raconter qui diffère de celle qu’on leur sert.

31. Still Walking / 歩いても 歩いても – Hirokazu Kore-eda (2008)

Still Walking
Still Walking

Still Walking tourne autour d’une réunion de famille imprégnée de la mélancolie d’un fils perdu, Junpei, qui s’est noyé il y a des années en aidant un étranger. Kore-eda crée une atmosphère frémissante de colère et de regrets longtemps enfouis, imitant peut-être la maîtrise du drame familial d’Ozu. Le jeune garçon de Junpei est devenu un homme adulte, de condition modeste et intègre. La famille de Junpei l’invite à contrecœur à prendre le thé chaque année, par obligation et par courtoisie. Ryo, le frère survivant, a longtemps souffert de l’adoration de sa famille pour son frère décédé, ne recevant jamais le même niveau d’approbation que Junpei, même après sa mort.

Ce tableau stylisé, calme et discret, promène soigneusement le public à travers les étapes délicates d’une angoisse et d’un regret équilibrés. La tentative de Kore-haphazard eda de démontrer comment l’amour est omniprésent malgré l’adversité est susceptible de faire vibrer les émotions.

32. Lady Snowblood / 修羅雪姫 – Toshiya Fujita (1973)

Lady Snowblood
Lady Snowblood

Lady Snowblood, une quête mortelle menée par une dame désireuse de se venger, a sans aucun doute influencé le film Kill Bill de Quentin Tarantino. Toshiya Fujita est devenu célèbre dans le monde entier grâce au succès de Lady Snowblood et de sa suite.

Yuki est née d’une mère mourante en prison dans le seul but d’assassiner les responsables du viol et du meurtre de sa mère. Elle se développe en un assassin samouraï habile avec un sabre de vengeance, tuant tous ceux qui se trouvent sur son chemin. Lorsqu’elle commet un meurtre, elle a une expression désintéressée et sereine sur le visage, comme si elle ne pouvait pas se soucier du sang qu’elle verse, du moment qu’elle le verse. Yuki tente de se frayer un chemin vers une victoire émancipée de la gloire de pardonner et de ne pas pardonner, puissante et apparemment inarrêtable.

33. Akira / アキラ – Katsuhiro Otomo (1988)

Akira 1
Akira 1

Akira est un film post-apocalyptique qui choque et fait frémir. Ce film d’animation japonais populaire, qui se déroule dans un Neo-Tokyo dystopique en 2019, construit sur les cendres du Tokyo massacré en 1988, plonge dans le débat sur les armes atomiques et les expériences ESP top secrètes sur les enfants. L’intrigue tourne autour de deux amis adolescents, Kaneda et Tetsuo, ce dernier semblant vouloir constamment faire ses preuves. Après un accident de moto, Tetsuo est enlevé par les autorités et blessé pour servir de cobaye à une nouvelle expérience. Pour sauver Tetsuo des griffes de la corruption cyberpunk, Kaneda et sa bande de motards doivent surmonter des scientifiques, des politiciens, des terroristes et divers autres obstacles.

Akira était l’un des derniers longs métrages à être créé avec plusieurs couches de cellules peintes à la main, et a été créé avant l’intégration de l’animation informatisée. Avant qu’Akira ne devienne un classique culte, il s’agissait d’une série manga écrite et réalisée par la même personne, Katsuhiro Otomo, qui a en quelque sorte transformé sa propre œuvre en un chef-d’œuvre saturé et émouvant de 125 minutes.

34. She and He / 彼女と彼 – Susumu Hani (1963)

She and He
She and He

Naoko, une femme au foyer attentive, et Eiichi, un homme d’affaires diligent, sont deux jeunes mariés qui commencent avec enthousiasme leurs nouveaux rôles de femme au foyer attentive et d’homme d’affaires diligent. Cependant, au fil du temps, le couple devient agité et obsédé par leur nouveau mode de vie. Eiichi passe de moins en moins de temps avec sa femme, et elle cherche à s’épanouir ailleurs. Naoko se réveille dans leur appartement de classe moyenne et découvre la pauvreté qui l’entoure alors qu’elle explore Tokyo avec un regard neuf.

Susumu Hani, qualifié plus tard de membre du genre nouvelle vague, est un cinéaste qui travaille dans un style documentaire. Dans She and He, il utilise des prises de vue à main levée pour créer un sentiment d’intimité et d’urgence avec les personnages qu’il dépeint. Hani est décrit comme « difficile à classer » dans une interview accordée à Midnight Eye, un magazine japonais en ligne sur le cinéma récemment disparu. Et « l’un des cinéastes japonais les plus injustement oubliés des années 1960 ». Ses films sont difficiles à trouver, alors si vous arrivez à tomber sur l’un d’eux, ne le ratez pas !

35. A Man Vanishes / 人間蒸発 – Shohei Imamura (1967)

A Man Vanishes
A Man Vanishes

 » Comment quelqu’un peut-il disparaître dans un si petit pays ? « . C’est la question qui est présentée au début du film. Interview après interview s’enquérant d’Oshima, l’homme d’affaires qui a disparu sans laisser de trace, le public se demande s’il est en train de voir un documentaire. Alors que de plus en plus d’histoires sur le caractère d’Oshima émergent dans les interviews sur sa personnalité, son moi authentique semble s’effacer. Je suis incapable de me souvenir de lui et de le situer. Le film est obsédant en ce sens qu’il n’apporte de réponse ni à la recherche sans fin d’un homme disparu par les personnages fictifs, ni aux doutes croissants des spectateurs sur ce qu’est ou n’est pas un homme.

Pour quelques films, dont Tokyo Story, le réalisateur Shohei Imamura a travaillé comme assistant de Yasujiro Ozu. Les films d’Imamura, contrairement à ceux d’Ozu, ont un caractère d’urgence qui implique la recherche et la démonstration de la vérité – une sorte de cinéma vérité. Il a peut-être parfois énoncé la vérité avec trop de succès, ce qui lui a valu d’être suspendu de la même société qui avait licencié Suzuki Seijun.

36. Tampopo / タンポポ – Juzo Itami (1985)

Tampopo
Tampopo

Tampopo brise le quatrième mur presque immédiatement, mais plutôt que de briser la possibilité pour le public de s’échapper dans une autre réalité, ce moment semble solidifier le fait qu’un voyage sauvage est sur le point de commencer. Ce film est une délicieuse plongée dans les exploits humoristiques de deux chauffeurs de camion à lait qui aident amicalement une dame à donner vie à son entreprise de ramen en recherchant les meilleures recettes pour son restaurant, appelé affectueusement un « western du ramen ».

Itami n’a pas peur d’expérimenter avec l’histoire et l’intrigue, plongeant fréquemment dans plusieurs intrigues et même dans plusieurs genres. Le seul compagnon constant du spectateur est la nourriture ; pratiquement tout le reste est erratique. Je suis ravi. C’est un film émouvant, drôle et merveilleusement bizarre, qui mérite de figurer sur toutes les listes des meilleurs films japonais !

37. Dreams / 夢 – Akira Kurosawa (1990)

Dreams
Dreams

Dreams s’écarte de la liste habituelle des films recommandés par Kurosawa, et c’est un film que la plupart des cinéphiles n’ont pas vu. Dreams est une collection de huit histoires sans lien entre elles, racontées par des images, des sons et des sensations surréalistes. Les scènes deviennent de plus en plus majestueuses et belles, mais elles semblent être lointaines et hors de portée. Comme l’indique son titre, Dreams ressemble à une collection de ce qui intéresse Kurosawa de manière introspective et inconsciente.

Dans la première partie, « Sunshine Through the Rain », un jeune garçon se fait dire par sa mère qu’il y aura probablement une cérémonie de mariage aujourd’hui et qu’il ne doit pas aller chercher des renards. Elle l’avertit que les renards n’aiment pas être observés. Naturellement, le jeune garçon se précipite vers les bois dans l’espoir d’assister à un événement aussi merveilleux. Les rêves sont une collection de métaphores et d’enseignements que nous devons apprendre ou oublier à notre réveil.

38. Suzaku / 萌の朱雀 – Naomi Kawase (1997)

Suzaku
Suzaku

Naomi Kawase a remporté la Caméra d’Or au Festival de Cannes à l’âge de 27 ans pour son premier film Suzaku. Ce film examine en détail la désintégration d’une petite ville et d’une famille. L’insignifiance de la ville est due à son isolement du reste du monde, en raison d’un projet de chemin de fer négligé et oublié. La famille vit en harmonie, mais il y a des frictions et des dépressions dues à l’isolement. Michiru, la fille, a développé des sentiments pour son cousin Eisuke.

Tout au long du film, des tensions apparaissent quant à savoir si la famille doit ou non quitter la ville envahie par le bois et chercher une vie meilleure ailleurs. La marque atmosphérique et intime de Kawase est clairement visible dans ce film, comme dans les autres qui suivront. Des mots comme « vague » ont été utilisés pour décrire certains de ses choix stylistiques ; peut-être pourrait-on utiliser plutôt « interprétatif » ou « art ».

39. The Taste of Tea  / 茶の味 – Katsuhito Ishii (2004)

The Taste of Tea
The Taste of Tea

Ce film s’écarte encore une fois délicieusement du style cinématographique habituel du réalisateur. The Taste of Tea est un agréable film surréaliste sur les membres de la famille Haruno, originaire d’une ville rurale ordinaire de la préfecture de Tochigi. Chaque membre a une histoire unique à raconter, ainsi qu’un style de comportement particulier pour la raconter. Nobuo, le père, est un hypnotiseur qui mène des expériences sur sa propre famille à l’occasion. La fille, Sachiko, reçoit fréquemment la visite d’une énorme jumelle qui la regarde fixement. C’est un peu un dilemme. Le rythme effréné de la vie quotidienne semble faire ressortir les caractéristiques uniques de chaque personnage d’une manière intrigante. Bien qu’ils soient logés ensemble, des récits complètement distincts se développent indépendamment.

40. Antiporno / アンチポルノ – Sion Sono (2017)

Antiporno
Antiporno

Sion Sono, cinéaste controversé et  » pro porno « , n’a pas peur de l’exploitation et de la dépravation. Dans Antiporno, il n’y a pas de panneaux qui vous donnent des instructions ou vous informent de l’endroit où aller. Le tapis se dérobe sous vos pieds et vous vous retrouvez dans une histoire hallucinatoire distincte dans laquelle le personnage principal n’est qu’un acteur qui, au lieu d’abuser, abuse. Anitporno critique les pratiques de l’industrie pornographique tout en faisant la promotion des plaisirs sexuels. Surtout, ce film n’a pas peur de mettre en avant sa caractéristique la plus importante : l’énergie, l’énergie, l’énergie. Et il y a la question de la teinte. Quelle que soit la perspective que vous choisissez, il est indéniable que le film est conscient des difficultés et des tribulations de son héroïne principale, Kyoto, qui est à la fois emprisonnée et libérée par le sexe et le système qui maintient sa vente, mais il ne tente pas de la libérer complètement. Un film classique culte, réalisé par un cinéaste classique culte, qui peut vous faire réfléchir à nouveau.

1 réflexion sur “Films Japonais : TOP 40”

  1. Ping : 10 faits intéressants sur le film Your Name | Paradis Japonais

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée. Les champs obligatoires sont indiqués avec *

Panier